The Seoul Museum of Art is holding an exhibition titled <Low Technology: Back to the Future> to show the aspect of a recent art trend, focusing on the origin of movements or mechanical mechanism in the era where various advanced technologies are widely distributed and realized in our daily life in forms such as touch screens, Google Hangouts, 3D miniatures, and Internet of Things (IoT), a networking of humans and things to share information. This exhibition starts with questions such as "What do low technologies mean in the era where high technologies are rampant?" "Why are young artists interested in low technologies?" and "How do technologies change art?" 

Art has been changing alongside the advancement of technologies. Painting techniques have been developed with the advancement of paint and pigment technologies; photos and movies born from the age of mechanical reproduction have changed the direction of art into exploring art as a medium itself, with the development of digital technologies – which become dematerialized and digitized into 0 and 1 – placed under a totally new condition called "the transformation of data based on data and algorithm." Of course, such many branches of changing patterns cannot be simplified easily, and the change of art would simply be driven by the elements of technology. Nonetheless, we cannot deny the fact that technologies serve as an important factor in forming the background and condition in the flow of all changes of art itself. 

In Korea, which is one of the world's leading IT countries and where there are many early technology adopters, young artists would naturally be sensitive to such technological changes and art/social environment driving such changes. What is important in the reality where art and technologies interfere with and cross over each other is returning to the backbone of technology – whether it is good or bad – and thinking about the technology, as what Martin Heidegger, who hoped for the possibility of artistic technology rather than a simple tool asserted, i.e., technologies should return to techné. According to Heidegger, the concept of ancient Greek's techné carried the meaning of handwork technology and the meaning of high-dimensional art (Poiesis) as well as the power of disclosure. This exhibition attempts to look into Heidegger's philosophy about technology through artworks by 10 young artists, such as Kim Tae Eun, Park Ki Jin, Shin Sung Hwan, Yang Jung Uk, Lee Bei kyoung, Lee Byung Chan, Ye Seong Lee, Woonwoo Lee, Jung Sung Yoon, Jung Ji Hyun, as well as artworks by Yook Eae-jin, Moon Joo, Hong Sung Do. 

The 10 artists who participate in this exhibition will present artworks reflecting their thoughts about technologies visually and intelligently: artists Jung Ji Hyun and Yang Jung Uk change the function of technology while concentrating on the mechanical mechanism itself by connecting it with our daily life; artists Kim Tae Eun and Park Ki Jin pose questions about the boundary between one's own reality and virtuality by basing on narratives; artists Shin Sung Hwan and Woonwoo Lee create a dreamy, humorous space by using simple technology; artists Lee Bei kyoung and Lee Byung Chan express the fragments of a metropolitan life metaphorically through technology, and; artists Jung Sung Yoon and Ye Seong Lee make viewers think about a medium itself through mechanical devices completed by visitors' participation. Artworks by artists Yook Eae-jin, Moon Joo, and Hong Sung Do, who have been exploring the techniques and meaning of low technologies within the topology of the Korean art arena during the period 1980s–1990s, will also be presented at this exhibition to enrich communications between the two generations. 

This exhibition will provide a good opportunity for visitors to participate in some artworks by personally operating them at the exhibition hall and to take part in artists' creation processes, such as formation, patterning, inference, modeling, play, transformation, and integration, particularly since this exhibition is held during the winter vacation. Low technology and high technology – old and new media – form a new relationship through the contradictions and conflicts of each. They become contents and forms for each other, endlessly reorganizing the present and the relationship between old and new. Let us now reflect on the meaning and direction of this era's technology and art by looking into the aesthetics of low technology.

Posted by sungyoon


> 2014 2014.10.23 23:01

Jung Sungyoon Solo Exhibition


MMMG Itaewon

Eclipse_ steel, motor, gears, FRP  900x230x40(cm)2piece  2014

Vanishing Point of Story

Park Sangmi


In astronomy, "Eclipse" is a phenomenon that one celestial body hiding the other body or entering to its shadow. Solar eclipse, the typical Eclipse, is a phenomenon that the moon covers the sun by moving in between the sun and Earth. The moon is superimposed on top of the sun and the people will experience a dramatic darkness under the daylight. The origin of the eclipse is written like this.


The term is derived from the ancient Greek nounκλειψις (ékleipsis), which means "the abandonment", "the downfall", or'the darkening of a heavenly body ", which is derived from the verbκλείπω (ekleípō) which means" to abandon ", "to darken", or'to cease to exist ", a combination of prefixκ- (ek -), from prepositionκ (ek)," out ", and of verbλείπω (leípō)," to be absent '.


The etymology of eclipse tells that this is not just a matter of covering something. Abandoned, downfall, all existence come to a stop……. situation can be imagined when the humanity experienced the darkness by first time. They might have thought the world was over. Which was actually a rotary motion going through an unimaginable darkness……. Perfect darkness wipes out everything. Not even self-conscious, but also the memory of existence.

There is a movie called "Eclipse" of Antonioni. It wasn't a fun movie to watch but it had an embarrassing ending sequence. It almost gave me disturbance. Two lovers, who filled the whole movie with love and promised to meet again that night, suddenly disappeared from the movie. Empty street, empty building, and empty role I felt unreasonable feeling from being left alone. I was familiar with this state of emotion. The moment that is very familiar but very strange at the same time. It’s a state that deja-vu and jamais-vu repeating simultaneously. This anti-epiphany state is mentioned in the book "Madness and Modernism" by the clinical psychologist Louis A. Sass. Everything appears to be clear and sharp but it has no contents or entity to communicate. Like the state of extreme alienation and frenzy. Book tells that these are actually the symptoms of schizophrenia patients.

Antonioni actually envisioned this movie while he went out to shoot the eclipse in Florence. At that moment, he experienced perfect darkness that struck the world cannot even be compared to any static. The ending of the movie "Eclipse" might be the representation of his experience. Vanishing point of empty road, outer world-like silence, and evanescent of sense definitely reminds me a painting of Giorgio de Chirico. In fact there is a phrase almost like a depiction of this movie's ending on his prose poem. "Afternoon, street lights started to light up and mountains in east of the city began to disappear from sight. Cliff turned into purple and felt like gather something. Nurses are chatting on the square of the bench……." I do not think that Antonioni, such intelligence, did not know de Chirico. He might have been continuing through the other medium to dig deeply into alienation and human condition of modern society which was Chirico's lifelong task. Empty scene of these two Italian men is similar to an infinite nightmare.


One poet said love is to erase the contour of their lover. When Jung Sungyoon's “Eclipse" starts to reciprocate slowly on the track, two large disks will intervene in each other's profile and become one unity. Complete encounter will "erase" both disks’ outline and become the contours of each other. But the zenith of this encounter is closer to despair rather than joy like the perfect darkness of Eclipse. In the acme of darkness, both disks begin to separate each other's body. I remembered the Orpheus myth. When Orpheus looked back at Eurydice, the moment his gaze met with her body, she fell to the underground world forever. This is another theme variation of encounter and eternal darkness. (Greek etymology orphe of Orpheus means "darkness"). As all Thanatos snuggle in Eros, there is no encounter promised without darkness.

Jung Sungyoon says "Eclipse" can be compared to an encounter. When you meet a person, you expect to see something bright and clear about the person but actually experience nothing but being left out in the darkness. He also says that while eclipse, light of stars tends to occur from the darkness behind the sun by gravitational pull.


Sob story is just a beginning of this drama. Actual starting point starts to fade when two circles start to roll on the parallel track. The simple gripping drama they portray makes the viewers agitated. De Chirico said "The shadow of the man walking under the sunlight is mysterious than any religion of the past, current, or future.” It’s just two disks, doing their reciprocating motion on the track, that makes us totally disoriented. The ultimate darkness of rise and fall is repeated by the moment of overlap and separation. Light and space hides as soon as they appear. Sometimes it seems like other dimension from mysterious starlight. In this infinite loop, stories are forgotten for a while. And gets out of track.

Eclipse_ steel, motor, gears, FRP  900x230x40(cm)2piece  2014

이야기가 사라지는 순간


천문학에서 이클립스eclipse’는 한 천체가 다른 천체를 가리거나 그 그림자에 들어가는 현상을 말한다. 대표적인 이클립스, 개기일식은 달이 태양과 지구 사이에 들어와 태양을 가리는 현상으로, 달이 태양 위에 겹쳐지며 지구의 사람들은 대낮에 극적인 어둠을 경험하게 된다. eclipse의 어원을 찾아보면 이렇다.


The term is derived from the ancient Greek noun ἔκλειψις (ékleipsis), which means ‘the abandonment’, ‘the downfall’, or ‘the darkening of a heavenly body’, which is derived from the verb ἐκλείπω(ekleípō) which means ‘to abandon’, ‘to darken’, or ‘to cease to exist', a combination of prefix ἐκ- (ek-), from preposition ἐκ(ek), 'out', and of verb λείπω (leípō), ‘to be absent’.


단어의 어원을 읽어보면 이건 단순히 무엇이 무엇을 가리는 차원이 아니다. 버림받고, 몰락하고, 존재를 멈추는…… 인류가 처음 일식으로 인한 어둠을 경험했을 때가 상상되는 상황이다. 세상이 끝장난 줄 알았을 것이 당연하다. 상상조차 불가능한 어둠이 도사리고 있는 궤도를 돌고 있는 줄은 모르고…… 실제로 어떤 불빛도 없는 완벽한 어둠은 모든 것을 지워버린다. 나라는 자의식은 물론 실존을 지탱하는 기억까지도.

안토니오니의 <이클립스>라는 영화가 있다. 눈을 떼지 못하게 재미있는 영화는 아니었는데, 엔딩 시퀀스가 당황스러웠다. 거의 착란을 일으킬 지경이었다. 감독이 반했구나 싶을 정도로 영화를 가득 채우던 두 남녀 배우가 오늘 밤 만나자는 약속, 플롯을 남기고 갑자기 사라진 것이다. 텅 빈 거리, 건물들, 배우가 아닌 보통 사람들과 함께 황당하게 남겨진 이 기분. 생각나는 정서 상태가 있었다. 낯익은 동시에 매우 낯선 순간. 데자뷰deja-vu와 자메뷰jamais-vu가 동시적으로 반복되는 상태. 이 반통찰적anti-epiphany 상태는 임상심리학자 루이스 사스가 광기와 모더니즘이라는 책에서 언급한 적이 있다. 말하자면 이런 상태이다. 모든 것이 더 똑똑하고 선명하게 보이는데 보이는 것의 내용이 없고, 소통할 실체가 없는 상태. 극단적인 소외의 상태. 착란의 상태. 이는 실제로 정신분열증 환자들의 증상이라는 것이 그의 지적이다.

안토니오니는 실제로 플로렌스에 일식을 촬영하러 갔다가 이 영화를 구상하게 되었다고 한다. 일식의 순간, 완벽한 어둠이 자아내는 정적은 이 세상 어떤 정적과도 비교될 수 없는 것이었고, 그는 감정마저 사라지는 한 경험을 했다. 영화 <이클립스>의 엔딩에서 그의 이러한 경험이 표현되었을 것이다. 소실점이 보이는 텅 빈 거리, 이승의 것이 아닌 것 같은 정적, 감정의 사라짐, 그리고 내러티브의 사라짐. 조르조 데 키리코의 그림이 생각나지 않을 수 없다. 실제로 그의 산문시 중 마치 이 영화의 엔딩을 묘사한 듯한 구절이 있다. “늦은 오후, 가로등이 하나둘씩 켜지며 도시 동쪽에 있는 산들이 시야에서 사라지기 시작했다. 요새 뒤 절벽은 연자줏빛으로 변하고 뭔가 모여드는 느낌이 들었다. 간호사들이 광장의 벤치 위에서 수다를 떨고……안토니오니와 같은 지성이 데 키리코를 몰랐다고는 생각되지 않는다. 현대 사회에 처한 인간의 조건, 소외와 단절에 천착했던 그는 데 키리코가 회화로 시작한 과업을 다른 미디엄을 통해 이어가고 있었는지 모른다. 의미가 사라지는 응시의 순간. 이는 모더니즘의 한 양상으로, 그 이후 시간에 놓인 우리에게 이런 양상은 선험적인 조건이 되었다. 이 두 명의 이탈리아 남성들의 텅 빈 장면들은 언젠가 꾸었음직한, 한없이 먹먹한 악몽을 닮았다.

어떤 시인은 사랑한다는 것은 사랑하는 대상의 윤곽을 지우는 일이라고 했다. 크기가 같은 커다란 두 개의 원판이 매우 느린 속도로 트랙 위에서 왕복운동을 하도록 구성된 정성윤의 <이클립스>에서 일식이 진행되기 시작하면 두 원판은 서로의 윤곽에 개입하며 혼합체가 되어간다. 두 원판의 완벽한 만남이 일어날 때 그들은 서로의 윤곽선을 지우고스스로 서로의 윤곽선이 된다. 이 합체는 절정이지만 희열보다 절망에 가까운 절정으로, '이클립스' 완벽한 어둠을 표상하는 듯하다. 이 어둠을 절정으로 두 개체는 서로 몸이 분리되기 시작한다. 나는 오르페우스의 신화를 떠올렸다. 오르페우스가 에우리디케를 뒤돌아보는 순간, 그의 시선이 그녀의 몸과 만나는 순간, 그녀는 영원히 지하세계로 떨어진다. 만남과 영원한 어둠을 주제로 한 또 하나의 변주곡이다(Orpheus의 그리스어 어원 orphe어둠이라는 뜻). 모든 에로스에 타나토스가 깃들듯, 어둠이 전제되지 않은 만남은 없다.

정성윤은 이클립스를 만남에 비유한다. 사람을 만나면 그 사람에 관한 것들이 보이고 뭔가 밝아지리라 예상하지만, 실제로는 종종 아무것도 보이지 않는 먹먹한 어둠 속에 놓이는 걸 경험한다. 그는 또 이렇게 말한다. 일식이 일어났을 때 태양 뒤에 있어 보이지 않던 별의 빛이 중력에 의해 휘어지며 그 어둠 속에서 잠시 보이기도 한다고.

시작은 겨우 눈물 젖은 이야기였을 것이다. 이제 두 개의 원형이 평행한 트랙 위에서 굴러가고 애초의 내러티브는 사라진다. 우리는 이들이 그려내는 단순한 드라마에 흡입되고, 그 속에서 황망해진다. 데 키리코는 이렇게 말했다. “햇빛 아래 걸어가는 사람의 그림자가 과거, 현재, 미래의 그 어떤 종교보다 더 불가사의하다.” 두 원판이 트랙 위에서 왕복운동을 할 뿐인데, 우리는 어찌할 바를 모르는 것이다. 절정이자 곧 추락인 궁극의 어둠이 암시되고, 겹침과 분리라는 단순하지만 엄청난 드라마가 반복된다. 이 움직임은 곧 은유로 대체되는 듯싶다가 다시 검고 커다란 오브제의 움직임 자체로 돌아오기를 반복한다. 빛과 공간이 가렸다, 보이고, 보였다, 가린다. 짐작할 수 없는 별빛이 비롯하는, 다른 차원이 보이는가 싶기도 하다. 느리게 진행되는 무한 반복 속에서 우리는 잠시 이야기를 잊는다. 트랙에서 벗어난다

Posted by sungyoon

Solo Exhibition

2014.10.02 12:31



MMMG Itaewon_ MMMG Hall

본 전시는 서울시립미술관에서 시행 중인 

<Emerging Artists: 신진작가 전시지원 프로그램>의 선정작가 전시입니다.

Posted by sungyoon


> 2014 2014.04.19 13:24

Eclipse (653)steel, motor, gears, plastic / 1200x420x120(mm)/ 2014

<이클립스>의 발단은 천정이었다. 토마스의 입구 천정 가까운 곳에 움직이는 무언가 있었으면 좋겠다는 것이 나의 생각이었다. 정성윤 작가와 의논했다. 그의 전시에서 회전하는 기계 작업 "You"를 보았고, 무언가 돌아가는 것이 저기 높이 달리면 어떻겠느냐고 그에게 물었다. 조금 생각해보겠다는 답을 한 뒤, 정성윤은 <이클립스>의 아이디어를 갖고 나를 찾아왔다. 돌아가는 것으로 꼭 하늘에 돌고 있는 별을 생각한 것은 아니었는데, 그는 별들의 움직임을 형상화한 작업을 가져다준 것이다


Posted by sungyoon

Heavy Dot

2013.12.31 14:12

Machine: Eros of internal

Park Sangmi

The idea becomes a machine that makes the art.

- Sol Lewitt


It was Duchamp who brought in not just a toilet but also a machine to contemporary art scene. His first ready-made was <Bicycle Wheels> (1913). The Bike with pedals and two wheels came out in 1865(actually bicycle is a fairly recent invention because engine was invented in 1860s). So an act removing one bicycle wheel upside down and putting on top of the stool that had been used in the kitchen in 1913, was similar to cutting out a piece from some of the latest spacecraft and operating differently in 2013. Undoubtedly, this was a preceding absurd act of art. The object wasn't a bike anymore but wheel was able to spin. So it officially became the first 'kinetic sculpture' recorded. Same year, Duchamp drew the <Chocolate Grinder> which was also a machine and began working on <The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even> (also known as <Big Glass>) that had chocolate grinder inserted on one side. Later on, he made a motor attached machine called <Rotary Hemisphere> (1925). It was a vortex drawn wooden hemisphere on a turning disk which seemed to create optical illusion. Duchamp, who was not satisfied with "retina specific" art, has created a machine that caused interference to visual.


Heavy Dot _ MC Nylon, aluminium, steel, wood _ 300x300x120cm _ 2013

Duchamp is surely enough to be called as the first "machine artist". The common point between <Bicycle Wheel>, <Chocolate Grinder>, and <Rotary Hemisphere> is that these machines has a circular thing which rotates. Repeatedly turning things……. Duchamp do said, "I always feel the need of round things and rotation. It is a kind of narcissism or self-fulfilling ……. kind of masturbation. It was very strange to see those chocolates made by miraculous process of running Machine." This is almost a fetish. Without imagining an existential metaphor, repeat and the rotation has a strong, strange attraction. It’s like an endlessly mired pleasure of Bach's counterpoint. Marinetti was so enthusiastic in "speed" of modern society that he praised cars. And painters affected by Futurism placed a train or airplane in the canvas. But it took a long time to say "I want to be a machine" until Andy Warhol. Eros of nude in Duchamp's <Nude Descending a Staircase> is replaced by movement. Bachelor's desire in <Bachelor Machine>, which is also called "Love Machine", is left along with a rotating machine. Is "poetic callousness" the only context that Duchamp pursued with interest in machine? Or could it be a gesture that machines are not apathy? To Duchamp, who consciously tried to peel down the beauty and emotion from art work, the machine was some kind of "put distance" tool to convert sadness into a play. However, I do not think it was completely a tool. He was not the person who tried to grant instrumental meaning to the machine, but was the one who saw the vain Eros inside of it.

2013.12.05 ~ 2013.12.19


Jung Sungyoon's 2013 solo exhibition "Heavy Dot" had two very large mechanical devices. <Heavy Dot>, a statue that has a black disk as a head, is based on a poem called 'Statue' of the poet Park Yangyun which now no one remember. Surprisingly, this poem is about rotational motion, distance, and dot. First, as the earth moves around the sun, something is turning in regular distance from the center. While doing so, it comes closer and stops and becomes a stationary statue. And the statue starts to turn by itself……. On < Heavy Dot>, two different weight is hanging on instead of rotation. This imbalanced weight tells how anxious this hard looking huge statue is. <Heavy Dot> is expressed in huge black disc (in geometry, dot is a unique position that has no weight, area, and color). The black dot is a term of poetic dimension that symbolizes "pause", "last", and "existence". If <Heavy Dot> came from dot, the other machinery <You> is a line. Rotational motion is expressed at <You>. Huge line standing between two walls of the gallery is turning like a revolving door. <You> always comes and goes away which is impossible to meet. While <Heavy Dot> is a thing that ends and stops the relationship, <You> is an empty, impossible landscape inside human. <You> only exists significantly when it moves (not the other way around) and motion makes us impossible to meet. It is an endless rotation of infinite impossibility.

Jung Sungyoon says machine is sad and pathetic because they are always moving. There is a huge difference between alive and moving. His work is not as callous as Duchamp, but yet Fetish and poetic. Movement is sad and sadness becomes libido - which is the power that moves Jung Sungyoon - and appears well in his series of video work <Symmetry X>. Lust become Sadness, gives birth to steady gaze, which produce life again. He takes a long shoot of moving tower crane in the apartment construction site, like a silent long-take. In the video, he creates a symmetrical image (similar to the kaleidoscope) that moves sensually like a long thin legged insect. He created this shining, symmetric life form to express ordinary machine as an organism came from other star. Even William Blake was impressed by the nature's beautiful shape, symmetry. However, it is noteworthy to point out that the form is X. X is a character of perfect symmetry, and also a symbol of deletion and unknown.

Jung Sungyoon has been interested in machine for a long time. When he was an elementary student, he divided the paper in half and drew the outer shape of robot on one side and drew the cross section of the robot on the other side. Early awareness on inner parts became and developed as an Erotic recognition. He says the internal parts of people and machinery are erotic. Continuous friction and sticky lubricant ...... For ordinary people, inside is terrible. Not even it is hard to understand, but also it is related with death. Jung Sungyoon's interest is also shown on his first two of excellent Web work, <Memory Device>and <Love Letter>. The nuance of “last”, “death” and unknown path like the inside of machine is laid strongly on these two works. Surprisingly, <Memory Device>, which he made to introduce himself is composed of image that feels like old death. And <Love Letter> is an intellectual mourning requiem of ended love. The meaning completely changed when the words of love letter were searched in the dictionary……. Finding the words of the letter that lover left behind is a mechanical act to do, but it will lead to state of panic. In this case, sadness becomes a steady gaze and steady gaze becomes De Chirico's state of empty confusion. No sadness can be sad than this. Come to think of it, recognition of inside is sad. Like a happy boy without inner self, sadness cannot be measured unless looking at the inside. As all machines do, power of Jung Sungyoon come from inside. Sadness becomes a machine that makes the art. Jung Sungyoon will infinitely repeat just like that.

기계내부의 에로스



생각은 기계가 되고 기계가 예술을 만든다.

-솔 르윗


현대미술의 장면에 변기를 들여놓은 것도기계를 들여놓은 것도 뒤샹이었다그의 첫 번째 레디메이드는 <자전거 바퀴>(1913)두 개의 바퀴로 구성된페달을 밟아 돌리는 자전거가 나온 것이 1865(엔진의 발명도 이때쯤이니 자전거는 생각보다 꽤 최근에 발명된 기계다). 그러니 1913년에 자전거 바퀴 한쪽을 떼어낸 후 그것을 뒤집어서 부엌에서 쓰던 스툴 위에 고정시킨 행위는 마치 최신형 우주선의 일부를 잘라 엉뚱하게 조작한 것과 비슷한황당하게 앞서간 행위임에 틀림없다자전거의 기능이 거세되긴 했어도 바퀴는 돌아갔고공식적으로 최초의 움직이는 조각kinetic sculpture’으로 기록된다뒤샹은 같은 해 역시 기계인 <초콜릿 그라인더>를 그렸고초콜릿 그라인더가 한쪽에 들어간 <총각들에게까지 발가벗겨진 신부>(주로 <커다란 유리>라 불리는)도 그 시기에 작업을 시작했다결국 그는 1925년 모터가 달린 기계까지 제작했는데 <회전하는 반구>가 그것이다원판 가운데 소용돌이가 그려진 나무로 된 반구가 붙어 있고 원판을 돌리면 마치 반구가 들어갔다 나왔다 하는 것처럼 보인다. ‘망막적retinal’ 미술에 불만이 있었던 뒤샹은 시각에 교란을 가져오는 기계를 만든 것이다.

이 정도면 뒤샹을 최초의 기계 미술가라 불러도 손색이 없을 것이다. <자전거 바퀴>, <초콜릿 그라인더>, <회전하는 반구>의 공통점은 뭔가 둥근 것이 회전하는 기계라는 점이다반복해서 돌아가는 것들…… 뒤샹은 이렇게 말한다. "나는 살면서 언제나 둥근 것들회전에 대한 필요를 느껴요그건 일종의 나르시시즘이고자기충족적인…… 일종의 자위라 볼 수 있어요기계가 돌아가고 어떤 기적적인 과정에 의해서 초콜릿이 만들어지는 것이 나는 언제나 너무 신기하게 느껴졌어요." 이건 거의 페티시다반복과 회전…… 굳이 실존적인 은유를 떠올리지 않더라도 기묘하고 오래된 끌림이 있다바흐의 대위법 속에 끝없이 빠져들며 이상한 쾌감을 느끼는 것도 이런 종류라 할까현대 사회의 속도에 마초적으로 열광하던 마리네티는 자동차를 찬양했고미래주의의 영향을 받은 화가들이 기차와 비행기를 그림 속에 들여놓기도 했지만 기계가 되고 싶어라고 말한 것은 앤디 워홀에 와서였다뒤샹의 <계단을 내려가는 누드>에서 누드의 에로스는 움직임으로 대치되고, ‘러브 머신이라 불리기도 하는 <……발가벗겨진 신부>에서는 총각들의 욕망이 회전하는 기계와 함께 남겨진다한 미술사가가 지적했듯뒤샹의 기계에 대한 관심은 그가 추구하던 시적인 냉담함의 맥락이기만 할까기계를 냉담하지 않게 본 것은 아닐까물론작업에서 아름다움이나 감정의미를 의식적으로 벗겨내려 했던 뒤샹에게는 기계가 슬픔을 일종의 놀이로감정을 생각으로 전환시키는 거리두기의 도구였던 것은 분명하다하지만 전적으로 도구라는 생각은 들지 않는다그는 기계에 도구적 의미를 부여하기보단 기계 자체를그 자체의 허무한 에로스를 본 사람이었다.  

정성윤의 2013년 전시 무거운 점은 상당히 커다란 두 개의 기계 또는 기계적 장치로 구성되어 있다. <무거운 점>은 검은 원판을 머리로 한 거대한 입상인데 실제로 이 작업은 입상이라는지금은 아무도 기억하지 못하는 시인 박양균의 시를 바탕으로 한다놀랍게도 이 시는 둥근 것()과 거리회전운동에 관한 것이다. “지구가 도는 것이 눈에 보인다면그것은 꼭 그렇게 돌고 있었다라고 시작되는 이 시가 가진 이미지들은 이렇다처음에는 지구가 태양 주위를 자전하듯중심에서 일정하게 거리를 둔 무언가가 돌고 있다그러다가 그것은 가까워지더니 멈추었고 움직일 수 없는 입상이 된다그리고 그 입상은 혼자 돈다…… 이렇게 시가 형상화된 기계 <무거운 점>은 도는 대신 무게가 다른 추 두 개를 매달고 있다불균형을 이루는 두 개의 추는 거대하고 단단해 보이는 입상이 얼마나 불안한 것인지 말해준다여기서 <무거운 점>은 커다랗고 검은 원판으로 표현되었다(기하학에서 점이란 면적도 무게도 색도 없는유일무이한 위치이다). 회전을 멈춘 둥근 것이 가슴속에 들어와 검은 점이 되었고이는 멈춤’, ‘마지막’, ‘존재를 상징하는 시적 차원의 점이라 하겠다. <무거운 점>이 점이었다면 전시의 다른 기계 <You>는 선이다회전운동은 <You>에서 이루어진다갤러리의 두 벽 사이를 꽉 채운 거대한 선이 회전문처럼 막았다 열었다를 반복하며 돌고 있다. <You>는 끊임없이 다가오고멀어지고막아서고열어주지만 만날 수는 없다. <무거운 점>에서 둥근 것이 다가와 멈추고 관계가 끝나는 것처럼 <You> 역시 인간관계 내부를 구성하는 불가능과 부재의 풍경이다나에게 유의미한 너라는 대상은 움직여야만 존재하고(그 반대가 아니라), 움직임은 만남을 불가능하게 한다끝없는 불가능의 회전이다.

정성윤은 기계가 슬프다고 말한다. 처연하다고. 그 이유는 항상 움직이고 있기 때문이란다. 움직이고 있어 슬프다는 말은 살아 있어 슬프다는 말과는 차이가 있다. 뒤샹처럼 냉담하진 않아도 페티시적이고, 시적이다. 움직임은 슬프고 슬픔은 리비도가 된다이 동력이 정성윤을 움직이게 하는데, 이는 그의 일련의 영상 작업 <Symmetry X>에서 잘 나타난다. 애욕이 된 슬픔은 응시를 낳고 응시는 다시 어떤 생명체를 낳는다. 이를 테면 이런 거다. 옥수동 아파트 공사 현장에서 타워크레인이 움직이는 모습을 오래 찍는다. 먹먹한 롱테이크처럼. 그 영상으로 그는 X자로 요약되는 방사상의 대칭 형태(만화경을 닮은)의 이미지를 만드는데 이는 마치 길고 가냘픈 다리를 가진 곤충처럼 느리게, 또 빠르게, 관능적으로 움직인다. 일상의 기계들을 마치 다른 별에서 온 생명체처럼 표현하고 싶었다는 그는 둥글고, 반복하듯 움직이는, 반짝이는 대칭의 생명체를 만들어낸 것이다. “호랑이여! 호랑이여!/ 밤의 숲 속에서 빛나는 불꽃이여/ 어떤 손, 어떤 불멸의 시선이/ 그대의 무시무시한 대칭을 빚어놓을 수 있었던 거냐?” 윌리엄 블레이크가 이렇게 감탄하던 자연의 아름다운 형태, 대칭은 호랑이가 아닌 기계의 몸을 빌려 태어나는 것이다. 그런데 그 형태가 X인 점은 주목할 만하다. X는 완벽한 대칭의 문자이면서, 미지수, 미지의 이름을 뜻하기도 하고, 자기 삭제를 뜻할 수 있는 기호이기도 하다

정성윤의 기계에 대한 관심은 오래된 것이다. 초등학교 때 로봇을 그리면 종이를 반으로 나누어 한쪽에는 로봇의 외형을, 다른 한쪽에는 그 단면을 그렸다고 한다. 내부에 대한 초기의 자각은 내부에 대한 에로스적 인식으로 발전한다. 그는 사람이나 기계의 내부가 에로틱하다고 말한다. 끊임없이 마찰이 일어나고 윤활액으로 끈적끈적한…… 보통 사람에게 내부는 무섭다. 첫째는 이해하기 힘든 경로를 인식해야 하는 부담감 때문이고, 둘째는 죽음과 관련되기 때문이다. 정성윤의 내부에 대한 관심은 보통 사람들이 거리끼는 이유에서 출발하는 듯하다. 이는 정성윤의 첫 작품들이라 할 수 있는, 두 편의 탁월한 웹 작업 <기억장치>, <러브레터>에도 드러난다. 이 두 편의 작업에는 기계의 내부같이 알 수 없는 경로, 그리고 마지막죽음의 뉘앙스가 강하게 깔려 있다. 자신을 소개하고 싶어 만들었다는 <기억장치>는 놀랍게도 마치 오래된 죽음처럼 느껴지는 이미지들로 이루어져 있고, <러브레터>는 사랑이 끝남을 애도하는 지적이면서도 착란적인 레퀴엠이다. 연인이 쓴 편지의 단어들의 사전적 의미를 모두 찾아 나열해보니 의미가 완전히 달라졌다는 것인데…… 떠나가버린 연인의 말 하나하나의 사전적 의미를 찾아가는 것은 다분히 기계적이지만 어떤 효용으로 연결되지 못한 채 의미의 분열을 낳는 공황의 상태에 이르고 만다. 이 경우 슬픔은 응시가 되고 응시는 데 키리코 류의 텅 빈 착란의 상태를 낳는다. 슬픔이 이보다 더 슬퍼질 수는 없을 듯하다. 그러고 보면 내부에 대한 인식은 슬프다. 내면이 없는 사내아이들이 항상 즐거운 것처럼, 안을 들여다보지 않는데 어떻게 슬플 수 있겠는가. 모든 기계가 그렇듯 정성윤의 동력도 내부에서 온다. 슬픔은 기계가 되고 기계는 예술을 낳는다. 정성윤은 그렇게 무한 반복할 것이다

Posted by sungyoon